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Art Nerd Invasion presents:

GEORGE HEARTS MARIA

Curated by Lori Zimmer (Art Nerd New York)

Until October 2012

exhibited artwork (and pricelist) | exhibition views construction & vernissage 

ALEX DIAMOND, ALLISON SOMMERS, BARNABY WHITFIELD, BEAU STANTON, BILLY, ELIZABETH WINNEL, FRED CARON, IAN KUALI’I, IAN LARSEN, JASON BOTKIN, JEAN LABOURDETTE/TURF1, JIM DORAN, JON BURGERMAN, JONATHAN GRASSI, JON TODD, MARNE LUCAS, MICHAEL MARARIAN, MOLLY CRABAPPLE, MY DOG SIGHS, NYUGEN SMITH, RAY GEARY, REBECCA REEVE, RICARDO CAVOLO, RUDY FIG, RYAN V. BRENNAN, SHARK TOOF, T.B. LAMBERGINI, TRONG NGUYEN AND ZAC BRAUN.

 

(Artwork by Ricardo Carvolo)

Background:  

In 1785 Prince George of Wales fell in love with Maria Fitzherbert, a commoner. Because their love was forbidden, they each had miniatures of their eyes painted for one another, so that they could look deep into them always- without fear of being caught by the royal family.

Although he officially married another, he was buried with his token of Maria around his neck. Eye miniatures, or Lover’s Eyes, stayed popular through Victorian times, before fading out of fashion.

On September 1st, Art Nerd Invasion and Lori Zimmer present “George Hearts Maria,” a Victorian pop-up plucked out of history and taking root in Helium Cowboy’s summer group show. The parasitic gallery takes residence on the gallery floor, amidst the summer group show. Inside the appendage-gallery is a pristine Victorian sitting room, complete with a collection of eye miniatures.

“George Hearts Maria” asks contemporary artists to pay tribute to the star crossed lovers, and reinterpret the lost art historical tradition of eye miniatures, adding a modernist skew to the once romantic art movement. 

Limited edition print sets of select works, inside a custom screen printed box will be available from 1xRun.com, as well as eye miniature buttons will be given away to visitors to the gallery on opening night. 

Hintergrund

Im Jahr 1785 verliebten sich Prinz George von Wales und die bürgerliche Maria Fitzherbert ineinander. Um sich trotz ihrer verbotenen Liebe nah sein zu können, mussten sie kreativ sein. Beide ließen sich ein kleines Amulett anfertigen. Dieses Schmuckstück zeigte das Auge des Geliebten, so dass sie sich zu jeder Zeit gefahrlos und unbemerkt von der könglichen Familie tief in die Augen blicken konnten. Obwohl Prinz George eine andere, adlige Frau heiraten musste, hielt er an der Liebe zu Maria fest: er trug den Anhänger noch im Grab um seinen Hals. 

Diese Amulette, auch Lover’s Eyes genannt, lösten einen neuen Trend in der viktorianischen Zeit aus.

Mit “George Hearts Maria” bringen Art Nerd Invasion und die New Yorker Kuratorin Lori Zimmer am 1.September 2012 das Lover’s Eye zurück. Mitten in die Sommer-Gruppenausstellung der Galerie heliumcowboy artspace nistet sich “George Hearts Maria” mitsamt einer Sammlung von Lover’s Eyes ein. Hierzu wird eine weitere Galerie in die bereits vorhandenen Ausstellungsräume integriert. Zusätzlich lässt die Galerie in der Galerie mit einem makellosen vikotrianischen Salon die viktorianischen Salon die früheren Zeiten aufleben.

Zeitgenössische Künstler zeigen ihre Interpretation dieser Art des Liebesbeweises und verleihen ihm in “George Hearts Maria” eine moderne Perspektive, um so den hoffnungslos Verliebten ihre Anerkennung zu schenken. 

In diesem Rahmen gibt es ausgewählte Arbeiten als Druck mit einer limitierten Auflage auf der Seite 1xRun.com zu kaufen. Und während der Ausstellungseröffnung am 1.September 2012 werden kleine Lover’s-Eye-Buttons verschenkt.

Auf dass die Liebe ewig währt!


Kuratiert von Lori Zimmer (art nerd New York).  

 

 

Artist profiles 

Allison Sommers

Allison Sommers: Bog Biter. Graphite on paper, 30,5 x 28 cm, 2012

The gouache-artist Allison Sommers from Brooklyn is creating a dark atmosphere throughout her paintings. Humanoid animals and bizarre beasts dominate her works. There is not only one way to understand and to interpret Sommers’ art and this huge variety is the key to her unique style.

Die Gouache-Werke der in Brooklyn lebenden Künstlerin Allison Sommers erzeugen eine düstere Atmosphäre, denn sie werden von Tier-Mensch-Hybriden und grotesken Bestien dominiert. Ihre Arbeiten lassen den Betrachter bewusst im Ungewissen. Kaum ein Motiv ist in seiner Bedeutung eindeutig identifizierbar und genau darin liegt seine gewaltige Wirkungskraft.

 

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Barnaby Whitfield

Barnaby Whitfield: Little Deaths, All the Same (The Artist as an Expiring European Honey Bee), oil on canvas, 57,2 x 76,2 cm, 2008Rooted in America, Germany, Sweden, Greece and Ireland, Barnaby Whitfield grew up in Miami, Florida. There he got in touch with the emerging art scene when he was still a teenager. People with red cheeks and bloodshot eyes, naked skin and animals framing human bodies: these are the characteristic elements of Whitfield’s artworks. The US-American artist uses his oil paintings to combine self-therapy, sexuality and grotesqueness.

Mit Wurzeln in der ganzen Welt wuchs Barnaby Whitfield selbst in Miami auf. Als Teenager erlebte er dort berauschende Jahre, denn zu dieser Zeit zogen immer mehr Künstler in die Stadt und belebten die Kunstszene.

Auffällig im Werk des US-Amerikaners sind die sich wiederholenden Motive von Menschen mit roten Wangen und blutunterlaufenen Augen, nackter Haut und auf dem menschlichen Körper drapierten Tieren. Häufig stellt sich Whitfield selbst dar, sieht seine Arbeit als Therapie am eigenen Ego. So schafft er eine starke Verknüpfung zwischen Groteske und Sexualität.

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Elizabeth Winnel

Elizabeth Winnel: Plhh, 20,3x20,3cm, 2011Elizabeth Winnel described her work as „empathetic, voyeuristic, erotic“, when Lori Zimmer asked her in an interview last year. We can’t deny it. Strong colours are running and dripping above her self-portraits, making them seductive and impure. Her latest series shows provoking woman’s lips, but the Canadian artist creates abstract non-figurative artworks as well. After a short period inspiring herself in New York, Winnel went back to Savannah College of Art and Design in Georgia to take part in the Masters-program of Fine Art Painting.

In einem Interview mit Lori Zimmer beschreibt die kanadische Künstlerin Elizabeth Winnel ihre Arbeit als „einfühlsam, voyeuristisch, erotisch“. Wir können uns nur anschließen und bewundern ihre faszinierenden Selbstporträts. Kräftige Farben sprenkeln, fließen und spritzen über emotionale Gesichter. Ihre neuste Serie zeigt herausfordernde Lippen in jeglichen Varianten, aber auch abstrakte Farbstudien gehören zu ihrem Repertoire. Nach einer kurzen Schaffensphase in New York kehrte die junge Künstlerin zurück an das College of Art and Design in Savannah, Georgia, um dort ihren Master in „Malerei in der Bildenden Kunst“ zu absolvieren.

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Ian Kuali’i

Ian Kuali'i: Small Sacrifieces - Moloch, hand cut paper and gold leaf on varnished wood panel, 152 x 152cm"Destroing to create" could Ian Kuali’i call his way to do art. The artist forms freehanded sophisticated images with sharp tools. Often the arising figures are mythological and spiritual. These cut-outs are mounted on found items as wooden panels or old street posters. He calls California, Hawaii and by now New York his homes, in September we offer his artworks at least temporary a place to stay.

Für seine Kunst zerstört Ian Kuali’i, um neues zu erschaffen. Denn mit spitzen Werkzeugen ritzt er freihand in Papier und lässt filigrane Figuren entstehen. Diese haben meist einen mythologischen und spirituellen Hintergrund. Seine „cut outs“ sind auf verschiedenen gefundenen Untergünden, wie hölzerne Panele oder alte Plakate, befestigt. Ian Kuali’i nennt zur Zeit Kalifornien, Hawaii und New York sein zuhause, im September dürfen wir nun seine Kunst bei uns Willkommen heißen.

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Jean Labourdette aka Turf 1

Turf 1: Gold Skull, Acrylic & Engraving wood, 60 x 37cm, 2006The artist Jean Labourdette aka Turf 1 was born in Paris and grew up amidst the French graffiti scene. Nowadays he concentrates on paintings and sculptures in order to provide his characters with more reality. In general his artwork can be described as a struggle with his own special interpretation of reality. That is why he frees many of his paintings from two dimensional boundaries and gets them into contact with their actual real surrounding. Another characteristic element of Turf's art are the vintage cabinets which are used as frames.

Geboren in Paris, aufgewachsen als Teil der dortigen Graffitiszene und nun ein Künstler mit einer eigenen Interpretation des Realen: der Werdegang von Jean Labourdette aka Turf 1 ist facettenreich. Im Mittelpunkt seiner Werke steht die Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit. Er durchbricht die Grenzen der Zweidimensionalität und lässt seine Bilder und Skulpturen in Interaktion mit dem tatsächlichen Raum treten. Ein charakteristisches Merkmal sind die alten Wandschränkchen, die seine Arbeiten oftmals einrahmen.

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Jon Todd

Jon Todd: The Stones in the Garden, 28 x 43cm, mixed media on masonite panel, 2010Jon Todd uses as many mediums as possible to illustrate themes he engages in. Social issues like psychosis and misguided stigmas are visualized in wood block cuts, paintings, collages and screen printing. An enormous richness of details and colours lighten the critical approach. Monsters and beasts are inspired by mexican, asian and north european culture as well as by street art and tattoo graphics. 

Monster und andere Untiere, ungeheurer Detailreichtum und Farben aus allen Bereichen des Regenbogens - inspirieren lässt sich Jon Todd von mexikanischen, asiatischen und nordeuropäischen Kulturen. Ideen nimmt der Künstler auch von der Street Art und Tattoozeichnungen. Mit unterschiedlichsten Werkstoffen reflektiert er Anliegen, die ihn beschäftigen. Fehlgeleitete Stigmata und Geistesstörungen werden in Holzschnitten, Malereien, Collagen und Siebdruckbildern thematisiert. 

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Ian Larsen

Ian Larsen: A Squashed Fly on His Lapel, oil paint, human hair and polyurethane foam on canvas, 38 x 46cm, 2010When Ian Larson concentrates on the morality of the "human animal", it’s more than often about sexuality and violence. Grotesque and scary grimaces are staring from colourful and chaotic works. He loves to work with oil paint, polyurethane foam and wax become extentions of the canvas. The Californian artist graduated his bachelor in fine arts in Florida and did his MFA in Painting at Slade School of Fine Art in London.

Bunte, chaotische Werke kommen zustanden, wenn der Kalifornier Ian Larson sich mit den moralischen Abgründen der Menschheit auseinandersetzt. Oft geht es um Themen wie Sexualität und Gewalt, am Ende blicken dem Betrachter groteske, schaurige Fratzen entgegen. Der Künstler liebt es mit Ölfarben zu arbeiten, die er mit weiteren Medien mischt: mit Wax und Polyurethan-Schaum formt er auf der Leinwand Unebenheiten, um sie danach zu übermalen und zu zerkratzen. Der Künstler, dessen Werke auch in die Art brut eingeordnet werden können, machte seinen Bachelor in Bildener Kunst in Florida und den Master in Malerei an der Slade School of Fine Art in London.

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Jim Doran

 

Jim Doran, Like A Fish Needs A BicycleHis "super power" is the „ability to grow a kick-ass beard almost instantly“, says Jim Doran. In his artworks, sophisticated fantasy worlds arise in tiny tins or even in clock cases and sardines cans. Minuscule figures and landscapes made of paper are draped in dioramas in various layes. Before the American was interessted in art, music has been his first love. 

Seine Superkraft ist sein super schnell wachsender Bart, meint Jim Doran. Möglicherweise beschreibt sich der Künstler hier doch zu bescheiden. Im Miniaturformat baut er filigrane Fantasiewelten in kleine Döschen, Uhrgehäuse und Sardinenbüchsen ein. Winzige Papierfiguren und Landschaften werden auf verschiedenen Ebenen in den Dioramen fixiert. Bevor der Amerikaner sich jedoch für Kunst interessierte, galt seine Liebe der Musik. 

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Alex Godwin

Alex Godwin: OutSmart projectAlex Godwin, also known as Billy, is an English artist currently residing in Berlin, focusing on painting, drawing, having fun and being happy, taking influence and being inspired from traditional and contemporary african and tribal culture, living in unfamiliar surroundings and keeping a positive perspective on life. The distinctive shapes, colours, characters and symbols in Billy's work are created with an intention to communicate a vibrant visual message and to make other people smile and be happy too.

Der englische Künstler Alex Godwin, auch bekannt als Billy, lebt, zeichnet und malt derzeit in Berlin und konzentriert sich darauf, Spaß am Leben zu haben und einfach glücklich zu sein. Inspiriert wird er von traditioneller und zeitgenössischer afrikanischer Stammeskunst, von seinem Leben in ungewohnter Umgebung und seiner positiven Sichtweise auf die Existenz. Mit der Absicht eine lebhafte visuelle Botschaft zu hinterlassen und andere Menschen ebenfalls glücklich zu machen, schafft Billy die charakteristischen Formen, Farben, Charaktere und Symbole in seinen Kunstwerken.

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Jon Burgerman

Jon Burgerman: Crystal, from the series of skulls with a pizza slice lodged within them, ink and marker pen on watercolour paper, 2012Born in Birmingham, UK artist Jon Burgerman has built a strong reputation through his recognisable and colourful artworks of swooping, intertwining lines and hyper-emotional characters. Working across a variety of media that includes drawing, painting, print, animation, large scale murals and product design, his art retains a hand-made quality. A sense of British self-deprecation, dry humour and modern-day anxiety imbues his work along with an enthusiasm for salad. Burgerman currently resides in New York. He exhibits internationally and has shown work alongside contemporary artists such as Banksy, Damien Hirst, Vivienne Westwood and Gerald Scarfe.

Einen guten Ruf hat sich der Engländer aus Birmingham bereits erarbeitet. Jon Burgermans bunte Kunstwerke mit den sich windenden, verschlungenen Linien und den ausgesprochen emotionalen Charakteren haben einen hohen Wiedererkennungswert. Seine Arbeiten werden von trockenem Humor, britischer Selbstironie, neuzeitlichen Ängsten - und seiner  Begeisterung für Salat - beeinflusst.

Verschiedenste Techniken finden sich in seinem Gesamtwerk wieder: Zeichnungen, Malerei, Druckgrafiken, Animationen, riesige Wandmalereien und  Produktdesign. Zur Zeit lebt Burgerman in New York. Seine Ausstellungen sind auf der ganzen Welt zu sehen und werden neben zeitgenössischen Künstlern wie Bansky, Damien Hirst, Vivienne Westwood und Gerald Scarfe präsentiert. 

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Marne Lucas

Marne Lucas: Max, Milk, 2002Marne Lucas is a visual and installation artist using nature, pop-culture and sexuality as themes in her work, both individually and in relationship to each other, creating imagery that comments on social perceptions about nature and the self; while pushing boundaries: be they personal, political or visual.

Lucas is most recognized for her photography - intimately exploring her subjects, merging visual beauty and abstract yet positional narrative through artist portraiture, self-portraits, and in pin-up style portraits of men and women. The body is both palette and canvas to explore the subtle nuances of identity, persona, and how our culture responds with changing and conflicting social attitudes.

Natur, Popkultur und Sexualität thematisiert die bildende und Installationskünstlerin Marne Lucas in ihren Arbeiten, in Beziehung zu einander und einzeln für sich. Die Bilder kommentieren die soziale Wahrnehmung von Natur und dem Selbst. Die Künstlerin will persönliche, politische und visuelle Grenzen verschieben.

Lucas ist vor allem für ihre Fotografie bekannt, mit der sie die Personen vor der Kamera erkundet. Dabei vermischt sie visuelle und erzählte Schönheit im Zuge von Porträts von Künstlern und sich selbst sowie von Portraits von Frauen und Männern im Pin-up-Stil. Mit dem Körper als Leinwand und als Gestaltungsmittel spürt sie die feinen Unterschiede der Identitäten, Rollen und der kulturellen Antworten auf die sich verändernden und widerstreitenden sozialen Gesinnungen auf. 

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BEAU STANTON

Beau Stanton: Illumination (Right), oil on canvas, 91,5 x 91,5cm, 2010The Brooklyn-based artist Beau Stanton is the protégé of Ron English. His artwork can be described as a fusion of pop-surrealism and romanticism. Beau connects sophisticated ornaments and luscious colours with classical extremes like destruction/creation or death/birth. His aim is not only to show the aesthetic relationship between beauty and demolition, but also to reveal their strong connection as an element of historic processes.

Der in Brooklyn lebende Künstler Beau Stanton ist der Protegé von Ron English. In seinen Werken vereint er filigrane Ornamente, satte Farben und Ästhetik mit Themen wie Wiedergeburt, Zerstörung und Schöpfung. Pop-Surrealismus trifft auf Romantik. Beaus Interesse gilt dabei historischen Prozessen und der nahen Verwandtschaft von Schönheit und Verwüstung.

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 JASON BOTKIN

Jason Botkin: Handless Man Theater, coloured paper collage with ink, pencil and crayon, 58.5 x 56cm, 2012

A 'drawing' major with a BFA honors from the Alberta College of Art and Design (Calgary), Jason's a long-time addict of charcoal, ink, and paint pushing across surfaces far and wide. "Drawing for me is a “labour of vision” (to use the words of Merleau Ponty), that is a submission to  blindness; a simultaneous awareness of a mind/ body/ mass relationship that in effect, draws me. I study how our actions and quite literally, our touch, define us--- giving meaning to the simple act of being human in a specific time and place. " He is also the co-creator of the EN MASSE project along side Tim Barnard, in Montreal's Galerie Pangee.  Along side of the EN MASSE Project, Botkin finds time to pursue his drawing and painting for many local and international exhibitions.  In Montreal he is represented by Galerie Yves Laroche / LNDMRK

Sein Studium am Alberta College of Art and Design hat Jason Botkin mit einem Bachelor of Fine Arts und Auszeichnung abgeschlossen. Für seine detailreichen Solo-Zeichnungen nutzt er meist Kohle oder Tinte. Ebenso begeistert ist er von Farbe: “Malen bedeutet für mich, mir etwas vorstellen zu können. Ein gleichzeitiges Bewusstsein von Verstand, Körper und den verschiedensten Beziehungen zueinander. Eigentlich tu ich nur das, was diese Elemente mir vermitteln. Ich beobachte unsere Handlungen und wie wir Dinge oder einander berühren; damit will ich zeigen was Menschsein zu einer bestimmten Zeit und einem bestimmten Ort bedeutet.”  Nun lebt und arbeitet er in Montreal und ist, wie auch Fred Caron, Mitbegründer und Mitglied des künstlerischen Kollektivs „En Masse“ von der Galerie Pangee in Kanada. Darüber hinaus malt und zeichnet er für viele lokale und internationale Ausstellungen. In Montreal wird er von der Galerie Yves Laroche / LNDMRK vertreten.

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FRED CARON

Fred Caron: The Velt, silkscreen print that glows in the dark, 56 x 71cm, 2010 Fred Caron is an all-rounder: he is an artist, creative director and co-director of the Canadian art collective ‘En Masse’. Born in Montreal, he came into contact with the local skate and graffiti scene at an early age which still has a big influence on his various artworks. His illustrations, photographs, videos and commercials contain black-and-white comic figures or colourful animations. He set himself the target to always tell a story with his works of art.

Fred Caron ist vielseitig begabt: er ist Künstler, Kreativdirektor und Mitbegründer des kanadischen Künstlerkollektivs „En Masse“. Er wurde in Montreal geboren und kam schon früh mit der dortigen Skater- und Graffitiszene in Kontakt. Diese Begegnung prägt ihn und seine Kunst bis heute: in seinen Illustrationen, Fotografien, Videos und Werbespots finden sich schwarzweiße Comicfiguren oder auch grelle Animationen. Caron ist es dabei stets darauf bedacht, mit seinen Werken eine Geschichte zu erzählen. 

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My Dog Sighs

My dog sighs‘My dog sighs’ is based in the seaside city of Southsea. He is one of the founders of Free Art Friday in Southsea which promotes the idea of leaving art out on the streets once a month in random places for passers-by to take home. He recently had his first solo exhition at London’s Pure Evil Gallery.

Der Künstler "My dog sighs" lebt in der Küstenstadt Southsea, England. Er gehört zu den Begründern von Free Art Friday, einer Veranstaltung, die einmal im Monat stattfindet, um die Kunst auf die Straße zu bringen. Passanten können die Werke von dort aus direkt mit nach Hause nehmen. Erst vor kurzem hatte er seine erste Einzelausstellung in der Pure Evil Gallery in London. 

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Michael Mararian

Michael Mararian: Acceptance Redux, acrylic on paper, 152,5 x 112cm, 2011Rendering traditionally cheerful images and concepts into frightening, yet humorous, tableaus, Michael Mararian often focuses on children as the last bastion of innocence to explore the dark humor behind social and psychological issues. What can on one level be construed as melancholy and cruel, can alternately be viewed as amusing, even charming. He enjoys letting his viewers decide. 

Michael is a graduate of the Art and Theater program at the University of Bridgeport as well having studied at the Arts Student's League in New York City. His work has previously been shown worldwide at Corey Helford Gallery and Thinkspace Gallery in Los Angeles, Bristol City Museum in Bristol England, Galerie D'Art Yves Laroche in Montreal, Last Rites Gallery in New York City and the Antonia Fraunberg Gallery in Düsseldorf, Germany.

Mit dunklem Humor erforscht Michael Mararian soziale und psychologische Probleme, wenn er meist Kinder als letzter Hoffnungsträger der Unschuld darstellt, um die eigentlich so fröhlichen Bilder in beängstigende und gleichzeitig humorvolle Gemälde zu verwandeln. Einerseits kann das als trübsinnig und grausam betrachtet werden, andererseits kann man diesen Humor als amüsant, vielleicht sogar als entzückend auffassen. Mararian überlässt diese Entscheidung gerne dem Betrachter.

Der Künstler studierte an der University of Bridgeport Kunst und Theater und an der Arts Student's League in New York City. Ausgestellt hat er bereits international: in der Corey Helford Gallery und in der Thinkspace Gallery in Los Angeles, im Bristol City Museum in England, in der Galerie D'Art Yves Laroche in Montreal, in der Last Rites Gallery in New York City und in der Antonia Fraunberg Gallery in Düsseldorf.

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Molly Crabapple

Molly Crabapple: Our Lady of Liberty ParkMolly Crabapple is a New York artist and the creator of the global drawing movement Dr. Sketchy’s Anti- Art School. She has created subversive, Victorian inspired art for clients including The New York Times, Red Bull, The Wall Street Journal, CNN, Marvel Comics, DC Comics, and South by Southwest Interactive, as well as Occupy Wall Street. Molly has probably had her art used in any context art can be used, including for protest posters, giant nightclub murals, created live for Chateau Marmont, and embellishing photos for Lomography. 

She has been profiled in hundreds of media outlets around the world, including BBC Newsnight and The New York Times. Considered a pioneer of combining visual art and the internet, Molly has spoken at The Museum of Modern Art, The Chicago Museum of Contemporary Art, Columbia University, SXSW and in museums and universities from Helsinki to Sao Paulo. Molly’s work is in the permanent collection of the New York Historical Society and the Rubin Museum. She was shortlisted, along with Idris Elba for the UK’s Groucho Award in 2011.

Molly Crabapple sagt mit ihrer viktorianisch inspirierten Kunst den Kampf an. Dennoch oder wahrscheinlich gerade deshalb wird sie von Kunden wie The New York Times, Red Bull,The Wall Street Journal, CNN, Marvel Comics, DC Comics, South by Southwest Interactive und Occupy Wall Street beauftragt. Die New Yorkerin hat ihre Kunst wahrscheinlich schon für all das eingesetzt, wofür man Kunst nur einsetzen kann. Protestplakate sind entstanden, genauso wie riesige Wandbilder für Nachtlokale, ausgeschmückte Fotos für Lomography und Arbeiten live im Chateau Marmont Hotel in Los Angeles.

Molly Crabapple ist bereits weltbekannt, etliche Medien haben sich ihrer Person gewidmet. Weil sie auch als Pionierin in der Verknüpfung von visueller Kunst und dem Netz gilt, erwiesen ihr das Museum of Modern Art, das Chicago Museum of Contemporary Art, die Columbia University, SXSW und verschiedene Museen und Universitäten von Helsinki bis nach Sao Paulo die Ehre von ihren Erfahrungen zu berichten. Ihre Werke werden in den Dauerausstellungen von der New York Historical Society und vom Rubin Museum präsentiert. Außerdem war sie für den britischen Groucho Award 2011 nominiert. 

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Ricardo Cavolo

Ricardo Cavolo: Jonah, Painting on wood, 2011A freelance illustrator rather than a street artist, Madrid’s RICARDO CAVOLO — born in 1982 in Salamanca, Spain — specializes in an endearingly simple, though hardly naïve, drawing style that doesn’t shy away from dramatic colours. Whether he’s illustrating a Charles Dickens children’s book, designing record sleeves for the Gran Derby label or paying tribute to Russian tattoos on T-shirts for Phucisme, CAVOLO crafts images that recall classic comic books, advertising art and, more than anything, lively folk art from across the globe.

Eigentlich ist Ricardo Cavolo mehr freiberuflicher Illustrator als Street Art-Künstler. 1982 in Salamanca in Spanien geboren, richtet er seine Aufmerksamkeit auf einen reizend einfachen, dennoch kaum naiven Zeichenstil. Seine dramatisch gefärbten Werke rufen klassische Comichefte, Werbegrafik und vor allem lebhafte Volkskunst aus der ganzen Welt ins Bewusstsein des Betrachters zurück. Der junge Künstler entwarf Bilder für ein Kinderbuch von Charles Dickens, designt Plattencover für das Gran Derby-Label und verschönert T-Shirts von Phucisme mit Grafiken im Stil vom russischen Tattoos.

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Ray Geary

Ray Geary: USA - Pills, Mixed Media with Steel Frames, 61 x 41cm, 2011Born May 24th, 1983, Ray Geary showed no interest in art at an early age. A graduate of the University of Vermont with a degree in Marketing he had no business engaging in the art world. He started collecting what he loved and eventually was drawn into making what he wanted to see. He explores themes such as The Workforce, Substance Abuse, Military Power, and the relationship between Love and Hate!He uses mostly metals and resin for his sculptures but loves incorporating various materials to get his point across!

Als Ray Geary noch jünger war, interessierte er sich noch nicht für Kunst. Als Absolvent des Marketing-Studiums an der University of Vermont hatte der 29-jährige mit Kunst nichts am Hut. Aber er begann das zu sammeln, was er liebte und kreierte schließlich auch das, was er sehen wollte. Er widmet sich Themen wie der Arbeiterschaft, Drogenmissbrauch, der Macht des Militärs und der Beziehung zwischen Liebe und Hass. Meistens benutzt er Metal und Harz für seine Skulpturen; um seine Aussage auf den Punkt zu bringen, scheut er sich jedoch nicht andere Materialien hinzuzufügen.

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Nyugen Smith

Nyugen Smith: For All the Loves We Lost: Brown Is the Color of My True Love’s Eyes and Skin, Hand-built glazed ceramic, lace, canvas, acrylic, found chain, wire, wood, map pins and paper, 20 x 12 x 8,5cm, 2012

Drawing heavily on his West Indian heritage, Nyugen Smith is interested in raising consciousness of past and present political struggles through his work which consists of sculpture, installation, video and performance. Growing up in Trinidad, Smith was profoundly influenced by the conflation of African cultural practices and the residue of British colonial rule encountered in his daily life on the island. Responding to this unique cultural environment,

Smith’s art is a reaction to imperialist practices of oppression, violence and ideological misnomers. His performance and video pieces enable him to claim an authentic voice in challenge to historical inaccuracies, while exposing to audiences the concealed narratives that distort reality and evade truth. These investigations enable Smith to re-visit and question individual identity as well as past and present social orders.

Ein Bewusstsein will er erschaffen, für die gegenwärtigen und vergangenen politischen Missstände, die er selbst erleben musste: Nyugen Smith ist in Trinidad und mit einer Mischung aus afrikanischer Kultur und den Überbleibseln der britischen Kolonialmacht aufgewachsen. Wenn er Arbeiten entwirft, seien es Skulpturen, Installationen, Videos oder Performances, fließt seine Herkunft von den Westindischen Inseln in den Prozess mit ein.

Seine Werke sind die Antwort auf Unterdrückung und Gewalt durch imperialistische Methoden. Seine Performances und Videos ermöglichen es Smith als authentischen Beobachter geschichtliche Ungenauigkeit anzuzweifeln und sein Publikum über die verfälschte Realität und die Wahrheit zu informieren. Diese Herangehensweise nutzt er um die Identität jedes einzelnen und der zurückliegenden und jetzigen sozialen Ordnung zu überdenken und zu hinterfragen.

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Rebecca Reeve

Rebecca Reeve: Eye for an Eye, engraved stainless steel mirror compact with reversible tablet affixed with two archival pigment photographs, 2012Rebecca Reeve is a British artist residing and working in Brooklyn, New York. She received her MFA in Photography from the University of New South Wales, Australia. Shooting in 35mm and medium format film, Rebecca is currently working on long-term projects in Cuba and New York. She has exhibited work at La Biennale de Montreal (2011), Freies Museum Berlin (Germany), EFA Project Space (NYC), Masur Museum of Art (Monroe, LA), Sandbox (NYC), Maloney Art Gallery (Elizabeth, NJ), and others.

Rebecca Reeve ist Britin, lebt jedoch in Brooklyn, New York und absolvierte ihren MFA in Fotografie an der University of New South Wales in Australien. Zur Zeit arbeitet sie an einem Langzeitprojekt in New York und in Kuba. Sie fotografiert mit Mittelformat- und Kleinbildfilmen von 35 mm. Ihre Werke wurden bereits auf der Biennale de Montreal (2011), im Freien Museum Berlin (Germany), im EFA Project Space (NYC), im Masur Museum of Art (Monroe, LA), in der Sandbox (NYC), in der Maloney Art Gallery (Elizabeth, NJ) und anderen Ausstellungsräumen gezeigt.

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Rudy Fig

Rudy Fig at workRudy Fig is a 23 year old, US based, self taught oil painter and toy enthusiast. With toy designers for parents, Rudy grew up in a very creative environment and excelled in the arts from a young age. After flunking out of art school (with flying colors) she taught herself how to paint and quickly began showing her work at age 17 in her hometown of Minneapolis, Minnesota. Her lush oil paintings and custom toy work feature a cosmic world of candy coated vixens, magical garden tea parties, and psychological purging. Her signature pallet boasts saturated pastels and a beaming world of organized color chaos.

Despite her young age, Rudy Fig shares her work alongside many established artists in galleries across the US and beyond as well as in the private collections of her loyal patrons around the globe. Rudy Fig is maturing into a highly collectable and exciting young artist. Aside from the fine art world, Rudy is also a Young mother, musician, lover of animals, watcher of planets, and a little bit crazy.

Die 23-jährige Amerikanerin hat sich das Malen mit Ölfarben selbst beigebracht. Die Begeisterung für Spielzeug wurde ihr in die Wiege gelegt, denn ihre Eltern sind Spielzeugdesigner. Dieses kreative Umfeld prägte sie. Schon als junges Mädchen war sie hervorrangend in Kunst. Nachdem sie aus der Kunstschule herausgeflogen ist, ergriff sie die Initiative und eignete sich das Malen auf eigene Faust an. Ziemlich schnell gelang es Rudy Fig ihre Werke in ihrer Heimatstadt Minneapolis in Minnesota auszustellen. Damals war sie erst 17 Jahre alt.

Obwohl die Künstlerin noch so jung ist, werden ihre Arbeiten neben anerkannten Künstlern in nationalen und internationalen Galerien ausgestellt und befinden sich in den Sammlungen ihrer treuen Gefolgschaft rund um den Globus. Die Ölgemälde und das maßgefertigte Spielzeug zaubern eine Welt aus mit Bonbons umhüllten Drachen, märchenhaften Teeparties und großäugigen Mädchen. Ihr Wiedererkennungswert liegt in den satten Pastellfarben und dem arrangierten Chaos des Kolorits. Sie entwickelt sich zu einer aufregenden und viel gesammelten Künstlerin. Und wäre es damit noch nicht genug, ist Rudy auch Mutter, Musikerin, Tierliebhaberin und beobachtet den Kosmos - sowieso ist sie ein wenig verrückt. 

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Shark Toof

Shark Toof

Shark Toof’s iconic oversized shark wheatpastes can be found on the streets around the world. He was born and raised in Los Angeles, California. He started painting graffiti in 1985 eventually graduating from Art center college of Design. The content of his work is pronounced by his travels and continuing exploration of animal spirits, nature, and the struggle of predator vs prey in male and female roles.

In the studio, his work takes on a more layered effect, combining collage, illustration, and painting to created multi layered pieces that evoke vintage advertising, animalistic qualities, and world influences. He recently had a show at Le Basse Projects and at Thinkspace, L.A..

Wer aufmerksam durch die Welt wandelt, entdeckt die übergroßen Paste-Ups überall. Meist kreiert Shark Toof Hai-Motive. Seit 1985 als Graffitisprayer unterwegs, landete er am Art center college of Design. Dort machte der Künstler auch seinen Abschluss.

In seinen Arbeiten finden sich Einflüsse von seinen Reisen und der Erkundung von Tiergeistern und Natur wieder. Außerdem inspiriert ihn der Kampf zwischen Jäger und Beute in Bezug auf die weibliche und männliche Rolle in der Gesellschaft. Im Atelier verschmelzen Collagen, Illustrationen und Malereien zu vielschichtigen Werken. Sie erinnern an Reklame aus vergangenen Zeiten, sind angeregt von der Tierwelt und den verschiedenen Kulturen der Erde. Gerade beendete Shark Toof eine Schau bei Le Basse Projects in Los Angeles und eine Einzelausstellung im Thinkspace. 

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Trong Nguyen

Trong Nguyen: Orphic Rug, acrylic and oil paint, 168 x 85cm, 2011

Born in Vietnam, artist and curator Trong now resides in Brooklyn, New York. He has exhibited his work extensively including solo shows at Galerie Quynh in Vietnam in 2009 and the Fruit & Flower Deli in New York in 2008. His group exhibitions include Satellites at the Freies Museum in Berlin, Sequences in Iceland, and Performa in New York. His projects have been reviewed in the New York Times, Time Out New York, Paper, Village Voice, and many other publications. Recently, Trong finished writing a "lost chapter" to The Da Vinci Code based on the secret love life of Marcel Duchamp. He is currently working on a "metaphysical GPS" application for the iPhone and his artist-as-company project, Humanitarians Not Heroes. He is the East Coast editor for popular art publication Art Slant, and was a contestant on Bravo TV’s reality show, “Work of Art: The Next Great Artist.”

Sein Tätigkeitsbereich ist umfangreich und verschiedendartig. Erst vor Kurzem verfasste Trong Nguyen ein Kapitel zum Da Vinci Code, das von einer verloren gegangenen Geschichte über Marcel Duchamps verborgenen Liebesleben handelt. Momentan brütet der Künstler und Kurator über einer "metaphysischen GPS-App" für das iPhone und arbeitet an der Weiterentwicklung seines Projektes "Humanitarians Not Heroes".

Der gebürtige Vietnamese ist der zuständige Redakteur für die US-amerikanische Ostküste des Pop-Art-Magazins Art Slant (wie so viele andere Künstler auch lebt Nguyen in Brooklyn). Darüber hinaus nahm er an der Realityshow "Work of Art: The Next Great Artist" von Bravo TV teil. Seine Kunstwerke wurden in Einzelausstellungen in den Jahren 2008 bei Fruit & Flower Deli in New York und 2009 in der Galerie Quynh in Vietnam ausgestellt. Dazu kommen Gruppenausstellungen wie "Satellites" im Freien Museum in Berlin, "Sequences" in Island und "Performa" in New York. Die New York Times, Time Out New York, Paper, Village Voice und einige andere Publikationen rezensierten seine Projekte. 

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Alex Diamond

Alex Diamond: The Lions Eye, ink, acrylic and coffee on driftwood, 20 x 15 x 9, 2012"The Alex Diamond Mining Company" is the latest chapter in the unusual story of Alex Diamond, an artist project that has been evading the definition of a fixed personality "behind the pictures" since it was conceived by Jörg Heikhaus and heliumcowboy in 2004. The TADMC advances the project with the broader base of an "artist-run cooperation".

The work created here develops iteratively in a process that is strongly influenced by tradition and craftsmanship. This can be seen in the works themselves, in how they are realised, in rooms and spaces, collected material, multiples, and editions. Works on and with wood; paintings with acrylics and spray cans as base for complex wood cuts; photographs, which are painted over; vintage block printing; furniture, installations, and complete rooms entirely out of wood - the extensive and technically wide opus made him into an acclaimed artists of this generation. Alex Diamond exhibited widely in Germany as well as in the USA, Spain and Switzerland.

Alex Diamond ist eine fiktive Kunstfigur, ein Künstlerprojekt, dass sich seit seiner Erschaffung durch Jörg Heikhaus und heliumcowboy im Jahr 2004 der Definition einer festgelegten Persönlichkeit „hinter den Bildern“ entzieht. Die 2010 gegründete ,The Alex Diamond Mining Company‘ (TADMC) ist das neueste Kapitel einer ungewöhnlichen Geschichte, mit der das Projekt eine breitere Basis im Stile einer „artist run corporation“ erhielt.

Das Atelier von Alex Diamond und der TADMC ist in den Werkstätten der Galerie heliumcowboy in der Hamburger Neustadt untergebracht. Das hier entstehende Werk entwickelt sich im Laufe der Zeit iterativ und in einem stark traditionell und handwerklich geprägten Prozess, sowohl im Bezug auf die Arbeiten als auch auf das Umsetzungsverfahren und die Räume und Orte. Arbeiten mit und auf Holz, Malerei und Spüharbeiten als Grundlage aufwändiger Holzschnitte, Fotografie, die übermalt und überzeichnet wird, historische Handdruckverfahren, Installationen, Möbel und ganze Räume aus Restholz - ein sehr umfangreiches und technisch variables Werk hat Alex Diamond in den letzten Jahren auch international zu einer wichtigen Stimme seiner Generation werden lassen, mit Galerieausstellungen in den USA, Spanien, der Schweiz und natürlich Deutschland. 

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Ryan V. Brennan

Ryan Brennan: Every Adjective All At Once, collage, spray paint, thread, wood, plastic, 74 x 46 x 25cm, 2010For his work Ryan V. Brennan, who was born in Cincinnati, Ohio 1982, received the Jonathan Madrigano Fellowship for The Arts through the National Arts Club in 2010 and also was the recipient of a full fellowship to the Vermont Studio Center in 2006. He has exhibited nationally in New York City, Chicago, Brooklyn, San Francisco, Miami and Richmond and internationally in Germany, France and Taiwan. In 2011, he exhibited with the BMW Guggenheim Lab and had a solo museum show at Real Art Ways in Hartford, Connecticut. He has shown in Scope New York, Scope Miami and Scope Hamptons as well as LA Art Fair.

Also he has been featured in a variety of publications including The New York Times, Beautiful Decay LA, Daily Serving, The Sunday Paper Atlanta, Biscayne Times Miami and Savannah Morning News. He graduated his BFA at Savannah College of Art and Design in Savannah, Georgia. But about what kind of art are we talking at all? Brennan is a multi-media guy, he creates collages just as installations and video collages, always various media in mind. He really likes craft, but if craft doesn't transport the message he rather switches to a more appropriate material. 

Für seine Arbeit erhielt Ryan V. Brennan schon 2006, kurz nach seinem Abschluss am Savannah Collage of Art and Design, eine Mitgliedschaft für das Vermont Studio Center und war 2010 erneut Empfänger vom Jonathan Madrigano Fellowship of The Arts, welche ihm der National Arts Club ermöglichte. Der 1982 in Cincinnati, Ohio geborene Künstler beteiligte sich an nationalen (in New York City, Chicago, Brooklyn, San Francisco, Miami und Richmond) sowie an internationalen Ausstellungen in Deutschland, Frankreich und in Taiwan. Im letzen Jahr stellte er mit dem BMW Guggenheim Lab aus. In Hartford, Connecticut widmete man ihm eine Einzelausstellung bei Real Art Ways. Seine Kunst war auf Kunstmessen wie der Scope in New York, Miami und in den Hamptons und der LA Art Fair zu sehen. Sein Werk wurde in zahlreichen Publikationen vorgestellt. 

Ryan Brennan ist ein vielseitiger Künstler, er erschafft Collagen ebenso wie Installationen und Video-Collagen, und ist ein begeisterter Handwerker. Für "George hearts Maria" baut Ryan in Hamburg den victorianischen Salon, der in den Räumen von heliumcowboy errichtet wird und als Galerie-in-der-Galerie die Ausstellung beherbergt.  

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Jonathan Grassi

Jonathan Grassi: 003 Joey < Tim - date - 2012, 9 x 13cm, 2012The photographer Jonathan Grassi is known for focusing on the complex interplay of control and liberation. Most recently, he has been photographing people being tickled, documenting their reactions, their spasms and laughter. Labeled by Surface Magazine as an Avant Guardian, Grassi has exhibited work at The Brooklyn Museum, Apex Art and Real Art Ways.

Bekannt ist Jonathan Grassi für seinen Schwerpunkt auf dem Zusammenspiel von Kontrolle und Loslassen. Erst vor Kurzem hat er Personen abgelichtet, die durchgekitzelt wurden, dokumentierte ihre Reaktionen, ihre Gänsehaut und ihr herzhaftes Lachen. Der in New York lebende Fotograf wurde ausgesucht, um für das heißbegehrte, jährliche Avant Guardian-Projekt des Surface Magazine zu fotografieren und stellte seine Arbeiten bereits im Brooklyn Museum, Apex Art und Real Art Ways aus.

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Zac Braun

Zac Braun: I Only Read It For Pictures, paper on panel, 27 x 27cm, 2011Pulling inspiration from both his engineering background and the city around him, Zac sets out to reconstruct a style that reflects man-made construction and natural decay. Whether the medium is text, paint or miscellaneous objects, Zac uses a set of repetitive and structured techniques that have limited to no controlled output. It is the monotony of this seemingly repetitive style that compels the viewer to discover the unique distinctions in each piece, while focusing on the overall process and its reflection of the theme; structure vs. destruction.

Was Zac Braun inspiriert sind vor allem zwei Dinge: sein Hintergrundwissen als Ingenieur und die Stadt, die ihn umgibt (momentan ist das NYC). Seine Handschrift drückt sich in der Fusion von künstlich Erschaffenem und natürlichem Abfall aus. Seine Methoden wiederholen sich in verschiedenen Mitteln, sei es in Text, Malerei oder anderen Techniken. Diese repetative Monotonie zwingt den Betrachter dazu, die Unterschiede der jeweiligen Werke in den feinen Einzelheiten zu suchen. Nur die Anerkennung des Gesamtwerkes führt zum Erfassen des Themas: es geht um Struktur und Dekonstruktion.

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T.B. Lambergini

T.B. Lamergini: Too Lazy to Bundle Up on a Sunday Morning, ink and china marker on Vellum, 22 x 28cm

T.B. Lambergini is a Brooklyn based artist. He received a B.A. in Studio Art from Bard College and a M.A. in Art Education from Brooklyn College. He has shown work in New York, NY and Los Angeles, CA. He currently lives and works in the Bushwick section of Brooklyn NY.

T.B. Lambergini absolvierte seinen Bachelor in Studio Art am Bard College und seinen Master in Art Education am Brooklyn College. Dort lebt und arbeitet er auch zur Zeit. Seine Kunstwerke waren bislang in New York und Los Angeles zu sehen.

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